PONENTES 2024

Co-fundador y Director Creativo de Libros Mutantes Madrid Art Book Fair. Se dedica, además, a la investigación creativa y dirección de arte. Colabora de forma permanente con artistas, curadores, fotógrafos, productores e instituciones para dar vida a todo tipo de proyectos, ofreciendo una amplia gama de servicios destinados a dar cobertura global a las necesidades de imagen y comunicación para marcas, instituciones o artistas.

Entre los catálogos y libros editados vinculados al proyecto de Libros Mutantes caben destacar: El Libro Mutante, NY Art Book Fair, MoMA PS1, New York, 2013: Index Art Book Fair, Zapopan Art Museum, Guadalajara, 2014, Atlas: Spain Focus, LA Art Book Fair, The Geffen Contemporary at MOCA, Los Angeles,
2016, Print Forever, Melbourne Art Book Fair, NGV International, Melbourne, 2017 y Encuentro Editorial, ARTBO Fin de semana, Cámara de Comercio, Bogotá 2018.

Fundada por Rina Zavagli, la Galerie Martel nació en 2008 con el deseo de apoyar a artistas que comparten la misma ambición: explorar nuevos territorios y romper las fronteras que separan los distintos modos de expresión (ilustración, pintura, cómic, animación...). Es una de las primeras galerías en afirmar la importancia del cómic y promoverlo en sus exposiciones como una forma artística de pleno derecho.

Preocupada por representar la riqueza y diversidad de las artes gráficas, la Galería Martel ha apoyado a artistas de renombre internacional como Art Spiegelman, Robert Crumb y Lorenzo Mattotti. Sin embargo, también se ha centrado en dar cabida a creadores de toda condición. Al destacar las obras de pioneros como Dominique Goblet, Anke Feuchtenberger o Nina Bunjevac, así como de talentos emergentes como Emil Ferris, Brecht Evens y Yann Kebbi, la galería se esfuerza por cubrir un amplio espectro estilístico y narrativo. Estas múltiples colaboraciones le han permitido desarrollar una identidad única al tiempo que refuerzan la continuidad de las artes gráficas participando en la creación de un nuevo horizonte, libre de toda compartimentación.
Desde su creación, la galería ha participado en importantes ferias de arte como Drawing Now y Art Paris en Francia. Ha conseguido estimular la creatividad de sus artistas dándoles la oportunidad de renovar sus propuestas.

A lo largo de los años, la Galerie Martel ha colaborado en proyectos desarrollados por museos internacionales como el Centre Pompidou (Francia), la Bibliothèque nationale de France, el Museo Santa Giulia di Brescia, el Palazzo Blue (Italia) y el Cartoon Museum Basel (Suiza); así como con diversas instituciones: Fondation Cartier pour l'art contemporain, la Bibliothèque publique d'information, la Cité internationale de la bande dessinée et de l'image d'Angoulême, y la Fondation Louis Vuitton. Con una identidad cada vez más fuerte en el ámbito del dibujo contemporáneo, la galería inaugurará un nuevo espacio de exposición en septiembre de 2024 en Bruselas, gran capital del arte contemporáneo.

Sangita Jogi, sin apenas estudios y casada muy joven en una familia de trabajadores, vive en Rajastán, en un entorno patriarcal tradicional. Como joven madre y nuera, está ocupada con las tareas domésticas, no dispone de tiempo propio y su movilidad está limitada. A pesar de todo, Sangita ha descubierto una extraordinaria salida creativa para sí misma: dibuja. Las mujeres que evoca disfrutan de todo: el calor de la amistad femenina, la emoción de los lugares lejanos, la energía del deporte, la emoción de la actuación, el placer de vestirse, el hedonismo de las fiestas...

Shradha Kochhar es una artista textil mejor conocida por sus esculturas "khadi" hiladas en casa y tejidas a mano utilizando "algodón kala". Su trabajo se encuentra en una intersección entre la memoria material, los legados del algodón y la curación intergeneracional. Centrado en generar un archivo físico de narrativas personales y colectivas del sur de Asia, su arte se vincula al trabajo de las mujeres, el trabajo invisible y la pérdida. Su trabajo se ha expuesto en el Museo de Melbourne y en el Centro de Artesanía Contemporánea de Houston, entre otros, y aparece en el New York Times, British Vogue, Architectural Digest, Vogue, Harper's Bazaar y otros.

Sliman Mansour (en árabe, سليمان منصور‎, n. Birzeit, Mandato Británico de Palestina, 1947) es un pintor y escritor palestino, considerado como una importante figura dentro del arte de este país. Se le ha calificado como un artista de la Intifada, cuyo trabajo entrega expresiones visuales del concepto cultural palestino del sumud (en español: constancia, firmeza).
Estudió Bellas Artes en la Academia Bezalel de Arte y Diseño de Jerusalén de 1967 a 1970, y ha participado activamente en la vida artística palestina desde esa fecha. Al igual que otros pintores palestinos residentes en los territorios ocupados, ha participado en varias exposiciones colectivas con artistas israelíes. Después del estallido de la Primera Intifada, fue arrestado y varias de sus obras fueron confiscadas por utilizar los colores de la bandera palestina en sus pinturas (verde, negro y rojo), lo que era ilegal según una ley israelí.
De 1986 a 1990 fue director de la Liga de Artistas Palestinos (League of Palestinian Artists), una organización dedicada a la promoción de artistas locales y a la organización de exposiciones. 
En 1988 realizó una serie de ocho pinturas abstractas evocando cuatro pueblos palestinos destruidos en la guerra de 1948 (Yibna, Yalo, Imwas y Bayt Dajan), y participó en la exposición (y posterior libro) de Dana Bartelt Both Sides of Peace: Israeli and Palestinian Political Poster Art, publicado en 1998 por el Museo de Arte Contemporáneo Raleigh (en inglés: Contemporary Art Museum), de Carolina del Norte. En aquellos años, fue uno de los primeros pintores palestinos que se alejaron de la pintura para empezar a experimentar con materiales plásticos no tradicionales, como el barro y la paja, tomados como metáfora del suelo de su patría.
Sus obras han sido mostradas en exposiciones individuales y colectivas en muchos países como Israel, Japón, Rusia, Noruega, los Estados Unidos, Italia, España, Francia, Alemania y Egipto donde su obra I Ismail ganó el Gran Premio de la Bienal de El Cairo en 1998. Es miembro fundador y director del Centro de Arte Al-Wasiti (Al-Wasiti Art Center) de Jerusalén.

Durante la primera parte de su carrera se dedicó a ilustrar libros para diferentes editoriales del mundo mientras hacía webcomics de forma independiente. En el año 2015 su primer libro de historietas "La pelusa de los días" fue editado en España.

Formó parte del colectivo Historietas Reales y de Chicks on Comics. Es miembro fundadora del colectivo Línea Peluda.

En el año 2019 ganó del premio FNAC-Salamandra con su proyecto de novela gráfica "Naftalina". Más tarde ese mismo libro sería premiado con el Fauve Prix Public France TV durante el festival de Angoulême 2023. Además recibiría el premio Boule d'or del Festival Viñetas de Poitiers y el Prix Lyceen del festival Colomiers.
 

Dibujante de renombre internacional, ha dialogado con los lenguajes del teatro, la danza, el cine, la música y las artes gráficas desde sus inicios. Cuenta con una prolífica colaboración con la prensa periódica y la industria editorial en Italia y en el extranjero (Frigidaire, Il manifesto, Esquire, Liberation, Les Inrockuptibles, Internazionale, et al). De 2003 a 2008 dirigió Bianco e nero, la revista del C.S.C. de Roma. Sus obras han sido expuestas en exposiciones individuales y colectivas en Rusia, Japón, Corea, Europa e Italia. La relación con la Galería D406 de Módena y la Galerie Martel de París es de larga data.

En 1995 fue uno de los fundadores de SQUADRO - Stamperia and Art Gallery en Bolonia, de la que fue comisario de numerosas exposiciones y ediciones hasta 2023. Entre las publicaciones traducidas en el extranjero se encuentran Anita (Freon, 1998; Sinsentido, Avantverlag; Kappa, Bolonia), basada en textos de Gabriella Giandelli; La historia del Oso (Futuropolis, Avant-Verlag, Quodlibet 2014); Mi madre se llama Loredana (Fidèle éditions, Quodlibet 2016); Bartleby le scribe, dibujos para el cuento de H.Melville (Futuropolis-Gallimard 2021).

Ha firmado proyectos de imagen coordinados y series editoriales como los dibujos escritos de cómics de la revista MANO (selección ADI, Design Index 2000 y Premio Compasso d`Oro 2001) con Giovanna Anceschi; el proyecto gráfico para la Escuela MALAGOLA (Teatro delle Albe); la reciente editorial SIGARETTEN (2020) En las artes escénicas, Stefano Ricci ha traspasado el perímetro del dibujo para llegar a creaciones escenográficas, de autor, instalaciones y sonoras. Sus actuaciones de dibujo y música en vivo destacan por su capacidad de sacar a relucir, a través de la improvisación, un juego de referencias entre el papel y el instrumento. Después de Udine, Hamburgo, Angoulême, desde 2021 es profesor en la Academia de Bellas Artes de Bolonia.

Nacida en la aldea de Van, en Rajastán, Tejubehan pertenece a la tradición Paua de bardos y cantantes místicos. Cuando tenía 10 años, una terrible sequía y hambruna obligó a la familia a alejarse de la aldea en busca de comida y sustento. Vagaron de un lado a otro hasta llegar a Ahmedabad, donde la familia vivió en un tugurio improvisado. Tejubehan conoció allí al artista y cantante Ganesh Jogi, y ambos se hicieron amigos de la infancia, casándose finalmente cuando ella tenía 16 años. No es habitual que las mujeres de su comunidad canten o participen en la vida pública.

Tejubehan tiene una gran voz y, animada por su marido Ganesh, empezó a cantar con él. Actuaban en restaurantes y en la calle. Al igual que Ganesh, conoció a la conocida artista Haku Shah. Al principio, Tejubehan copió el estilo artístico de su marido, pero luego aprendió a sentarse sola y a desarrollar su propio estilo. Desde el principio le encantó dibujar mujeres, y esa ha sido su inspiración desde entonces. En 2020, Ansten Press publicó su primer libro, Rear Window. Rear Window es una antología ilustrada que observa la vida en el antiguo estadio del Arsenal reconvertido, durante el encierro de Londres. Una serie de relatos cortos ilustrados.